Mujeres en silencio
MUJERES
A diferencia de países como Francia y sobre todo Italia, donde las escritoras fueron un fenómeno culturalmente conocido y tolerado en el siglo XVI, en España antes de 1590 resultaban una rareza exótica.
Esta situación cambiará en poco tiempo a partir de la publicación de las obras de Teresa de Jesús en 1588. La unión íntima e indisociable entre la santa y su escritura sirvió para que socialmente apareciera un modelo de escritora.
Y ya en 1600 encontraremos a varias autoras.
Las corrientes principales de la poesía del siglo XVII se pueden enmarcar en:
El culteranismo: Mayor importancia a la forma.
El conceptismo: Mayor importancia al contenido.
Ambas surgen de la necesidad de algunos poetas por innovar y renovar el lenguaje poético culto del Renacimiento. Esta renovación en principio parecen opuestas y, por lo cual, causó enfrentamiento entre ellas.
El siglo XVII o "siglo barroco", continuó la línea de la poesía culta que se iniciará en el Renacimiento (principios del siglo XVI) pero por vías diferentes. Por un lado, se siguió con las últimas formas y temas, sobre todo la de Fray Luis de León; por otro lado, se produjo una renovación, en dos direcciones aparentemente opuestas: el culteranismo y el conceptismo. Esto no quita que ambas tengan rasgos comunes. Al mismo tiempo, la lírica popular y tradicional es seguida con interés por los principales poetas de esta época que también cultivan este género de poemas.
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ANA CARO
Fue una de las voces poéticas y dramatúrgicas más importantes del siglo XVII.
Aunque sabemos que nació en 1590 se desconoce si nació en Sevilla o Granada, pero de lo que sí tenemos constancia es que era una esclava con padres adoptivos moriscos.
Su carrera oficial comienza en 1628, cuando participó con la Relación poética de las fiestas celebradas en el convento de San Francisco en Sevilla en las fiestas que la ciudad celebrara por los mártires del Japón. Más tarde, en 1637 escribe el poema laudatorio Contexto de las reales fiestas madrileñas del Buen Retiro.
Se sabe que mantenía una estrecha relación con María de Zayas, la otra gran escritora del Siglo de Oro junto a sor Juana Inés de la Cruz, y que incluso convivió con ella en Madrid. También trabó amistad con la condesa de Paredes,
Al contrario que otras escritora, Ana recibió el elogio en vida por parte de personalidades como Juan de Matos Fragos o Luis Vélez de Guevara, quien la menciona en El diablo cojuelo con el apelativo ‘La décima musa sevillana’. Contó con el favor del Conde Duque de Olivares y hay documentos que demuestran que llegó a cobrar por su trabajo, lo cual la convierte en una de las primeras escritoras profesionales.
Se tiene constancia gracias a Rodrigo Caro, poeta e historiador, de que ganó varios certámenes poéticos y llegó a ser muy valorada en su época. Escribió sobre todo poemas de celebraciones, eventos y fiestas públicas.
Probablemente, falleció por la epidemia de peste en Sevilla el 6 de noviembre de 1694.
Valor, agravio y mujer.
El propósito de este trabajo es tratar de determinar en Valor, Agravio y Mujer la validez del término “feminista” que algunos críticos proponen. Este artículo intentará salir de la dualidad feminista/no feminista y trabajar con la idea de proto-feminismo. Esta breve investigación partirá desde un marco histórico y en base a las convenciones del teatro del Siglo de Oro. Para determinar la validez del término proto feminismo que se propone, se analizará los personajes principales, ya que se entiende que en ellos estará la clave.
La razón que nos impulsa a proponer este término, es que, por un lado el término “feminista”, atribuido a la obra de Caro, es un concepto que pertenece a épocas mucho más recientes. Por otro lado, el término “feminismo” puede ser entendido como movimiento y como teoría. Debido a que hay muchas clases de feminismos, en este trabajo se manejará el concepto feminismo como todo aquello que trate de mejorar las condiciones sociales de la mujer. Las preguntas que se tratarán de contestar serán entonces: ¿Había una intención feminista, como la conocemos el día de hoy, en las obras de Ana Caro? ¿Proponía Ana Caro, a través de sus personajes, algún tipo de cambio en la sociedad aun implícitamente?
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SOR MARÍA DE LA ANTIGUA
Nació en 1566 en Cazalla de la Sierra (Sevilla), junto a la ermita de la Virgen del Puerto, en soledad y desamparo.
Bautizada con el nombre de María, tomó el sobrenombre de Antigua en el convento de Nuestra Señora de la Antigua, de Utrera, donde sus padres trabajaban para las religiosas Dominicas.
A los 13 años de edad ingresó en el convento, hoy desaparecido, de Santa Clara, en Marchena. A lo largo de su vida religiosa se distinguió por vivir heroicamente las virtudes, particularmente la caridad y la humildad, manifestando también gran amor por la salvación de las almas. Vivió con el deseo de ser mártir.
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CRISTOBALINA FERNÁNDEZ
Nació en Antequera (Málaga) en 1576. Hija natural de un escribano, pero educada en el conocimiento de la Gramática y del Latín.
Un camino diferente siguió su relación platónica con el poeta de la escuela antequerana-granadina Pedro de Espinosa, que le inspiró su "Composición amorosa", donde afloran profundos sentimientos.
En su época fue llamada "La dulce antequerana Clío". Su gran belleza física y espiritual levantó fuertes pasiones.
POESÍA DE LA ÉPOCA
SEVILLA DEL SIGLO XVI-XVII
En los siglos XVII Sevilla cayo en una profunda decadencia económica y urbana. En la gran epidemia de peste de 1649 murieron aproximadamente 60 000 personas. También en esta época el espíritu contrarreformista transformo a Sevilla en una ciudad-convento. En 1671 existían 45 monasterios de frailes y 28 conventos femeninos. De esta época surgen un gran número de iglesias y retablos así como muchas de las imágenes, pasos y costumbres de la Semana Santa sevillana.
Fachada de la fabrica de tabaco XVIII.
Se dice que Sevilla “tiene un color especial”, y lo tiene desde mucho tiempo atrás. Es uno de los lugares turísticos más importantes de Andalucía y España, incluso la ciudad con el casco histórico más extenso de nuestro país.
Parte de su riqueza histórica y monumental viene del siglo XVI, época dorada para esta ciudad en cuanto la construcción de edificios memorables.
MONUMENTOS DE SEVILLA DEL SIGLO XVI-XVII
1. Archivo de Indias: No se funda como institución hasta el siglo XVIII, el edificio que hoy lo acoge se construyó en el siglo XVI. Su función era la de Casa Lonja, es decir, donde se cerraban los acuerdos comerciales. Los mercaderes solían cerrar sus tratos en la Catedral de Sevilla y cuando hacia calor o llovía se metían en el interior del templo.
2. La Giralda: Es el edificio más emblemático de Sevilla y fue precisamente en la época de “La Peste” cuando alcanzó su aspecto actual. La torre se comenzó a construir en 1198, bajo el dominio musulmán. Pero en el siglo XVI el arquitecto Hernán Ruiz II construye el remate actual con 21 campanas y coronado por la escultura del Giraldillo, una veleta que todavía hoy señala la dirección de viento y que representa a una mujer embarazada y vestida de guerrera.
3. Los conventos: Un ilustre visitante que fue a Sevilla en el siglo XVI se sorprendió de la cantidad de torres que tenía la ciudad. En el siglo XVI había en Sevilla casi un centenar de clausuras. La capital hispalense era el único puerto desde el que se podía embarcar al Nuevo Mundo. Numerosos monasterios y conventos se construyeron o reformaron precisamente en esta época: Santa Paula, Santa María de Jesús, Santa María del Socorro, Madre de Dios, etc.
4. Catedral: Es de estilo gótico, inaugurada en 1528, es la tercera más grande del mundo. Se sitúa en el antiguo lugar donde se encontraba la Gran Mezquita. En su interior cuenta con más de ochenta vidrieras, dejando pasar la luz. El conjunto queda enriquecido por obras de pintores como Murillo o Zurbarán.
5. Casa de dueñas: Es un palacio que pertenece a la Casa de Alba. Tiene un patio espectacular, como un patio andaluz, donde destacan detalles con toques sevillanos en sus ladrillos, tejas, azulejos y cerámicas. Uno de los principales atractivos del palacio de Las Dueñas es la importante colección artística y decorativa que contiene. Una curiosidad acerca de este palacio es que en él nació el autor Antonio Machado.
LA ESCUELA SEVILLANA
ESCUELA DE PINTURA
Este siglo nos trae el barroco con el triunfo del naturalismos. En este momento, la escuela sevillana alcanza su mayor esplendor, por la calidad de las obras. En tres periodos puede dividirse el desarrollo de la pintura barroca hispalense
Algunos pintores Juan del Castillo, Antonio Mohedano, Francisco de Herrera el Viejo, en quien aparecen la pincelada rápida Juan de Roelas, introductor del colorismo.
Pintores
1. Diego Velázquez (Sevilla, 1599 – Madrid, 1660)
El más conocido de la pintura española barroca y uno de los más grandes pintores de las historia universal del arte. Con sólo 10 años comenzó su formación en Sevilla en el taller de Francisco Herrera el Viejo. A los 24 se trasladó a Madrid, donde fue nombrado pintor del rey Felipe IV y más tarde recibió el cargo más importante que podía conseguir, pintor de cámara. Podemos ver gran parte de sus cuadros en el Museo del Prado, donde están las obras más conocidas como Las Meninas, La fragua de Vulcano o La Rendición de Breda.
2. Bartolomé Esteban Murillo (Sevilla, 1617 – Cádiz, 1682)
Era el más chico de catorce hermanos. Quedó huérfano de padre a los nueve años y poco después murió su madre, con el se quedo Ana, su hermana mayor, lo que le permitió ir al taller de un pariente pintor, Juan del Castillo. En 1645 recibe un importante encargo: una serie de lienzos para el claustro de San Francisco el Grande, donde se incluye La cocina de los ángeles, una de sus mejores obras. El éxito de esta le permitió mantener a los nueve hijos que tuvo con su esposa. Dedicó la mayor parte de su vida a temas iconográficos, como la Virgen con el Niño y la Inmaculada Concepción.
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ESCUELA
POÉTICA
En la literatura española del siglo XVI se habla tradicionalmente de dos Escuelas Poéticas: la Sevillana y la Salmantina. Esta última vivía por entonces en el lujo y la abundancia por ser el lugar al que llegaban las riquezas que venían de los territorios americanos y, aunque no tenía universidad, contaba con una valiosa institución docente: la Escuela de Humanidades y Gramática
En 1794 Sotelo y Arjona, que estudiaron juntos, crean la Academia de Historia Eclesiástica. Un año antes, el 9 de mayo de 1793, se funda la Academia Particular de Letras Humanas de Sevilla. Al año siguiente ingresan como Blanco, Lista y Vácquer. Su lema es "Para ser buen poeta no es suficiente el buen gusto sin el genio" y su objetivo es difundir el buen gusto y los principios de la verdad en la literatura.
Escritor
Fernando de Herrera (Sevilla, 1534 - 1597) fue un escritor español del Siglo de Oro. Fue apodado con el nombre de "El Divino".
Su poesía parte de la herencia petrarquista, en la que pretende introducir novedades.
Su obra literaria son bastante variada, teniendo en cuenta, las obras perdidas. Entre sus obras conservadas destacan unas en prosa, como la Relación de la guerra de Chipre y suceso de la batalla naval de Lepanto.
Entre las no conservadas figuran varios poemas de carácter épico y mitológico como La gigantomaquia, sobre los titanes.
Su vida está enmarcada en torno a Sevilla y en torno a sus poemas.
Aunq
T e a t r o
-El teatro nacional del siglo de Oro se caracteriza por su pluralidad temática.
Los temas son por una parte extraídos de la épica medieval, de la historia
universal y española, de la tradición pastoril, caballeresca y morisca, pero
también de la literatura religiosa. Frecuentemente son temas del vivir diario,
tanto de la actualidad política como social o religiosa.
Se transforman en acción teatral temas y problemas de la actualidad, algo que quedaba reservado hasta entonces a otros géneros.
-Hasta el siglo XVI no había ninguna normativa preestablecida en cuanto a la división en actos de la obra. Fueron los dramaturgos del siglo XVII, Lope de Vega a la cabeza, quienes decidieron la estructuración de cada obra teatral en tres actos o jornadas, lo que obedece a la estructuración interna del argumento:
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Primer Acto : Planteamiento
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Segundo Acto: Nudo
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Tercer Acto: desenlace
El primer acto solía comenzar "in medias res", es decir en medio del asunto. Con este hecho se pretendía captar la atención del oyente. Además era un elemento más que aseguraba el dinamismo de la obra.
-En el teatro del siglo de oro se empleaba el verso como forma de expresión teatral por excelencia. La polimetría, que busca la adecuación entre verso y contenido se convierte en norma.
Cabe resaltar además que el lenguaje de la "comedia" buscaba la belleza poética de la palabra y la eficacia dramática unidas. Es decir, quería divertir gustando.
-Los dramaturgos del siglo XVII rechazan mantener la unidad del tiempo y de lugar. Se producen constantes cambios de escenario y hay numerosos saltos en el tiempo. Sin embargo, sí respetan la unidad de acción.
-Se suprime la frontera entre lo trágico y lo cómico, lo grave y lo cómico se hermanan con el fin de producir una gran variedad y el alivio de tensiones. Esto coincide con la preocupación por imitar la naturaleza humana. Por este motivo el tema suele ser trágico y cómico a la vez. El personaje que más contribuye a crear esta sensación es el gracioso.
-En el Teatro Nacional del Siglo de Oro se puede apreciar que había una tipología de personajes establecida: el gracioso, el rey, el galán, el poderoso, la dama, el caballero, la criada, el villano, el gracioso,etc.
Hacer una caracterización completa de los personajes femeninos del teatro del
Siglo de Oro Español, es una de las muchas tareas que quedan por hacer, cuando
hablamos de esta parte de la literatura, tan amplia, tan rica, y, a veces, tan poco
estudiada.
Conscientes de la magnitud de ese trabajo, aquí, sólo pretendemos, a partir de
la lectura y análisis de alguna de las obras más representativas de esa época, y,
centrándonos, en tres autores, Lope de Vega, Tirso de Molina y Calderón de la
Barca hacer un esbozo de los temas fundamentales en torno a este personaje,.
Una de las líneas de trabajo nos conducirá una total diferenciación en el
tratamiento de este personaje, dependiendo del tipo de obra que se trate. Por un
lado, lo estudiaremos en las obras que hemos denominado "obras serias", más
adelante distinguiremos entre "obras de amor conyugal", y, "obras de
comendadores", y por otro lado, veremos alguna comedia.
En el primer grupo de obras, denominadas obras serias, el papel de la mujer
se reduce, en la mayoría de las ocasiones, a ser la depósito del honor, y,
prácticamente, todo el desarrollo de la obra gira alrededor de este tema y a la
manera en que la mujer lucha por mantener el honor de su marido.
El tema del honor es fundamental en todo el teatro del Siglo de Oro, e,
indudablemente, la actitud que la mujer toma ante este problema es muy
importante. Por otro lado, vamos a analizar el papel de la mujer en las comedias.
Como más adelante podremos comprobar, el tratamiento es radicalmente distinto.
Si en las obras serias la actitud y
el cometido de la mujer se reduce a ser la depositora
del honor familiar, y en muchos casos a ser la víctima de ese particular "status
quo", en la comedia española del Siglo de Oro, la mujer va a adquirir un
protagonismo diferente, va ser la que controla la escena, la verdadera protagonista,
la transgresora de un orden social inventado por los hombres y en el que no se
siente libre. Por último quiero dedicar un apartado especial al tema de la "mujer vestida de
hombre". Este recurso aparece en infinidad de obras dramáticas del Siglo de Oro.
Destacaré algunos de sus rasgos más característicos, así como los diferentes tipos,
actitudes, motivos etc., a través del comentario de algunas obras de la época.
La mujer en los dramas de comendadores
El Drama de Comendador es uno de los géneros más famosos del teatro del
Siglo de Oro. En todos ellos los temas centrales son el honor y las relaciones
sociales entre los diferentes estamentos, en una sociedad en que estos estaban
perfectamente delimitados y jerarquizados con un código y una organización social
muy estricta. En cualquier caso analizaremos estos aspectos desde el punto de vista de la
problemática de la mujer y su papel en una sociedad organizada de esta manera.
Fuente Ovejuna y Peribañez y el Comendador de Oca fía de Lope de Vega y El
Alcalde de Zalamea de Calderón van a ser las obras que comentaré y sobre las que
estudiemos este tema. Comenzando por la emblemática Fuente Ovejuna, sólo dos líneas para esbozar
un argumento de sobra conocido; Laurencia, hija de un villano de Fuente Ovejuna
es raptada junto con su novio el día de su boda por el comendador de la villa y sus
secuaces para ser violada. Después ella misma encabeza una rebelión que termina
con la muerte del Comendador. Al final los Reyes Católicos perdonan a todo el
pueblo. Durante toda la obra predomina una visión de la mujer como puro objeto
sexual, y Laurencia se rebela contra esta situación. La relación entre Laurencia Y Frondoso se establece dentro del marco del amor
platónico.
La mujer en las comedias
Hablar de los personajes femeninos en la comedia del teatro español del Siglo
de Oro es sinónimo de hablar de transgresión.
El comportamiento de las damas en estas obras es completamente opuesto al
que habíamos visto cuando analizábamos los dramas de honor conyugal y los
dramas de comendadores.
La mujer representa el desorden dentro de la escena cómica, su
comportamiento es amoral, es mentirosa, enredadora, egoísta, y tiene un único
objetivo: casarse, y además, con el joven del que está enamorada, y no duda en
tomar la iniciativa cuando es necesario. Hay una constante búsqueda de libertad.
Por lo general son mujeres que no tienen padre, o un hermano que controle sus
actividades y esto, sin duda, beneficia a la libertad de actuación de que hacen gala.
Estos aspectos han sido estudiados por Bruce W. Wardropper, quien sostiene
que este tipo de comedia representa el triunfo de las mujeres sobre los hombres,
argumentando que en el escenario estas se comportan de forma contraria a las
convenciones y a la moral.
En estas obras no hay diferenciación entre ambos sexos, la mujer es tan capaz
o más que el hombre al idear estratagemas para conseguir lo que quiere. La mujer
es más ingeniosa y atrevida, quizá como contraste con la vida real donde parece
ser había una total sumisión de la mujer al hombre.
No cabe duda de que esto era lo que producía la hilaridad entre el público,
porque no era habitual en la vida real. Este efecto se aumentaba con el hecho de
que en numerosas ocasiones además salía vestida de hombre, motivo que, como
veremos en el siguiente apartado constituía el gozo de los espectadores asistentes
a estas obras.
Se produce una total inversión de los papeles y la mujer pasa de ser un objeto
pasivo, sujeta a las decisiones del hombre, bien su marido, bien su padre, a ser
la que controla la situación, con sus artimañas y sus engaños, que en la mayoría
de las ocasiones suponen un atentado al esquema social de la época.
El tópico del disfraz varonil
La mujer disfrazada de hombre es un motivo que se repite con mucha
frecuencia en el teatro español del Siglo de Oro.
Aunque no es un invento español, existen numerosos antecedentes de este tema
en la literatura anterior, sobre todo en el renacimiento italiano, es en la comedia
española donde adquiere su forma definitiva.
Este aspecto ha sido anteriormente estudiado, por ello aquí veremos algunas de
las obras en las que este tema aparece como motivo principal dentro del drama,
y de esta manera iremos viendo alguna de sus características.
Muy brevemente, decir que, tradicionalmente la crítica viene distinguiendo
entre dos tipos fundamentales de mujeres disfrazadas.
Por un lado estarían aquellas mujeres que se disfrazan con el único objetivo de
conseguir un propósito, que generalmente es perseguir a un amante que la ha
engañado para poder casarse con él. Estas mujeres son muy femeninas y dan lugar
a escenas cómicas por el recelo de algunos personajes que no terminan de creerse
que son hombres. Veremos algunos ejemplos.
Por otro lado tendríamos, lo que vamos a llamar mujer varonil, que se
comporta como un hombre por deseo propio, estaríamos ante lo que se ha venido
en llamar mujer hombruna y que se caracteriza por tener muchas de las
características propias de un hombre, fuerza, valor etc.
Las obras que vamos a repasar serán. El Valiente Céspedes, de Lope de de
Vega, Don Gil de las Calzas Verdes y El Vergonzoso en Palacio, de Tirso de
Molina, y. La Vida es sueño. La Devoción del Cruz, y Las Manos blancas no
ofenden, de Calderón de la Barca.
Comencemos pues, por Lope de Vega, autor que da forma definitiva a este
tópico literario, que, como ya hemos señalado tienen raíces en la literatura
renacentista.
El propio Lope de Vega en su Arte Nuevo de hacer comedias hablaba de este
modo sobre el tópico de la mujer disfrazada;
Las damas no desdigan de su nombre,
y, si mudaren traje, sea de modo
que pueda perdonarse, porque suele
el disfraz varonil agradar mucho.
Otra referencia a este tema es la que nos proporciona Agustín de Rojas en suLoa de la Comedia;
eran tas mujeres bellas
vestíanse en hábito de hombre
El teatro del siglo de oro se distingue por ser un tipo de representación que no seguía los cánones aristotélicos, gran parte de su producción estaba escrita en verso y se ponía en escena en unos recintos conocidos
popularmente como corrales de comedias con muy pocos medios escenográficos y lumínicos por compañías profesionales.
EL TEATRO COMO LUGAR DE REPRESENTACIÓN.
El local de la representación es el conjunto de las instalaciones arquitectónicas, mecánicas y –más recientemente- eléctricas y electrónicas destinadas a la representación de un drama.
El término «teatro» aplicado a la denominación del local produce inevitables confusiones por su anfibología. Escenario y auditorio.
Las partes esenciales de un teatro (local) son el escenario y el auditorio. Ambas son interdependientes y su relación ha variado a lo largo del tiempo por estar sujeta a circunstancias históricas, técnicas y comunicativas.
Hay dos alternativas básicas: a) el escenario central, rodeado total o parcialmente por el auditorio; b) el escenario adosado a uno de los laterales del edificio (corrales de comedias, por ejemplo) y que origina una separación más o menos patente entre escenario y auditorio.
La introducción del telón, muy posterior al Siglo de Oro, es la señal más evidente de esta separación, que ya empieza a introducirse en los corrales de comedias por la elevación y la disposición del escenario.
Cualquier análisis teatral debe partir de las condiciones en que se establece la interrelación entre el escenario y el auditorio, porque –entre otros motivos- determinan el trabajo del dramaturgo, los intérpretes, el director de escena…
La realidad del escenario y la ficción del drama.
La labor primordial del autor y el equipo que pone en escena la obra dramática consiste en integrar la representación, con su espacio inventado, en la realidad material del escenario. Es decir, su objetivo es ubicar un lugar ficticio en un entorno real, casi siempre distinto, al tiempo que se representa un conflicto a través de intérpretes que ni padecen la conflictividad ni son las personas que representan.
CARACTERÍSTICAS DEL TEATRO DEL SIGLO DE ORO ESPAÑOL
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Una amplia variedad de temas cuyas fuentes se encontraban en la tradición literaria, la historia y la leyenda.
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Se pasa de la división de la obra en cinco actos o jornadas a la división en tres, lo que permite acomodarla a la estructura de exposición, nudo y desenlace.
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En la métrica, convive la tradición castellana (romance, villancicos, letrillas…) con los metros cultos de
procedencia italiana. -
La métrica se acomoda al contenido de la escena y a las palabras del personaje, a la vez que la polimetría evita la monotonía al oído del espectador.
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Se hace, en aras de la verosimilitud, caso omiso de las tres unidades.
-Como en la vida, se mezclan lo trágico y lo cómico –es decir, se rompen las barreras de los géneros- y surge el concepto de tragicomedia.
LOS TEMAS
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El amor, que es el motor que mueve la mayoría de las comedias.
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El honor (honra, opinión), entendida como la estimativa ajena, patrimonio de todos –único patrimonio del pueblo llano- y absolutamente intocable. Reside en la pureza de la sangre y en la honorabilidad de las mujeres de la familia.
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La monarquía, institución venerada de la que se hace una apología –sobre todo en el teatro de Calderón-. El rey es una figura intocable, a salvo de toda crítica y se presenta como el administrador máximo de la justicia para el pueblo.
ANA CARO
Ana Caro Mallén de Soto nació en el siglo XVII. Supuestamente hermana de Don Juan Caro Mallén de Soto, nacido en Granada, que fue caballerizo mayor de Doña Elvira Ponce de León.
No se conocen otros datos biográficos, pero sí de numerosos encargos literarios, que nos indican que fue una escritora reputada que cobraba por su trabajo (sus clientes pertenecían a la nobleza, tanto de Sevilla como de Madrid).
En 1637 viaja a Madrid para asistir a las fiestas del Buen Retiro, que poetiza por encargo del concejo. En los años siguientes conocerá a María de Zayas, a Vélez de Guevara (que la retrata en El diablo cojuelo) y a otros autores.
Rodrigo Caro la describe en Varones ilustres de Sevilla como "insigne poetisa que ha hecho muchas comedias, representadas en Sevilla y Madrid y otras partes, con grandísimo aplauso, en las cuales casi siempre se le ha dado el primer premio".
Respecto a su obra teatral, escribió dos comedias: El conde Partinuplés, publicada en 1653, y Valor, agravio y mujer. También una Loa sacramental en la que juega con las distintas jergas que se podían escuchar en la ciudad. Parece ser que asumió ser la encargada de escribir los autos sacramentales para las fiestas del Corpus de Sevilla entre 1641 y 1645, pero sólo se han conservado los títulos: La cuesta de la Castilleja, La puerta de la Macarena y Coloquio entre dos.
Análisis de Valor, agravio y mujer:
Existen dos manuscritos en la Biblioteca Nacional, ambos del siglo XVIII. Esta obra es interesante porque en ella Caro ironiza sobre la sociedad en la que vive y ridiculiza algunos valores típicamente masculinos. Es una comedia de enredo de ambiente palatino que desarrolla, invirtiéndolo, el mito de Don Juan, con alusiones a El burlador de Sevilla. Está construida sobre el tópico de la mujer vestida de hombre y maneja los convencionalismos con habilidad. En ella, Leonor es cortejada y seducida por don Juan al que se entrega. Pero él se olvida de la palabra dada y va a Flandes, donde se enamora de la Duquesa Estela de quien está también enamorado el hermano de Leonor. Leonor, para vengarse de don Juan se disfraza de hombre convirtiéndose en Leonardo. La duquesa acabará enamorada de ella, sin saber que es una mujer. Es una comedia urbana que juega con los equívocos y los enredos. También aparecen personajes prototipos como el gracioso, Ribete, el criado de Leonor, que por el que en ocasiones oiremos a la autora.
"... aun quieren poetizar
las mujeres, y se atreven
a hacer comedias ya"
La mujer disfrazada de hombre es un tema recurrente en el teatro del Siglo de Oro, usado por Lope de Vega, 113 veces,
y por Tirso de Molina, 21 veces. En el caso de esta comedia, el disfraz masculino sirve a Leonor como herramienta
para iniciar las acciones que conducen a recuperar su honor. Estos extremos del honor llevarán a situaciones absurdas
en las que parece que la única solución es morir todos.
El tema de la sororidad o solidaridad femenina también está presente. Estela reprocha a son Juan su comportamiento
con Leonor al tiempo que perdona a Leonor sus engaños.
Se aprecia la voluntad por parte de la autora de incluir su opinión sobre temas que afectaban especialmente a las mujeres,
como la castidad, el honor, el matrimonio o la amistad femenina. Varios críticos han querido hacer una lectura
feminista o proto-feminista de la obra.
La trayectoria literaria de Caro, su lugar preeminente entre los escritores favorecidos por el poder, el cultivo tanto de
la poesía como del teatro, y el beneficio económico que recibió por su sostenida labor creadora completan el perfil
profesional de escritor (escritora) que se empieza a forjar en el siglo XVII, aunando el éxito profesional y económico,
y llamando la atención sobre el papel que ocupa la mujer en la cultura del barroco.
OBRAS
-Valor, agravio y mujer
-Peligro en mar y tierra
-Relación poética de las fiestas celebradas en el c, 1628
-Grandiosa victoria de Tetuán, 1633
-Contexto de las reales fiestas que se hicieron en, 1637
-Loa Sacramental, 1639
FELICIANA ENRÍQUEZ DE GUZMÁN
Feliciana Enríquez de Guzmán nació en Sevilla a finales del siglo XVI. Poco más se sabe de ella, excepto que tuvo dos hermanas, ambas monjas en el convento de Santa Inés de Sevilla, a quienes dedica la primera parte de su obra principal, Tragicomedia de los jardines y campos Sabeos.
La segunda parte se la dedica a su segundo marido, D. Francisco de León Garavito, de quien en 1630 ya era viuda. Su primer marido fue D Cristóbal Ponce de Solís y Farfán, que fundó una capellanía de la que ella fue patrona.
Se desconoce la fecha de su muerte. Además de la obra teatral, compuso unas décimas incluidas en una obra de su 2º marido, Información en Derecho por la purísima y limpísima Concepción de la Virgen María , de 1625.
OBRAS
Tragicomedia de los jardines y campos Sabeos, 1619. Teatro.
Imprimió su Tragicomedia de los jardines y campos sabeos, primera y segunda parte, con diez coros y cuatro entreactos (Coímbra: Jácome Carvalho, 1624, la primera parte; Lisboa: Pedro Crasbeeck, 1624, la segunda; hay reimpresiones posteriores), dedicada a sus dos hermanas monjas en el convento de Santa Inés de Sevilla. Su prólogo, en verso suelto, teoriza sobre el teatro y es importante porque se opone radicalmente al Arte nuevo de hacer comedias (1609) de Lope de Vega y, según observa don Marcelino Menéndez y Pelayo en su Historia de las ideas estéticas en España, cap. X, al contrario que los otros neoclásicos españoles del siglo XVI "dio tanta importancia a la unidad de lugar como a la de tiempo"; también critica las comedias de su época en una Carta ejecutoria con que concluye la tragicomedia, cuyo argumento es el propio de un libro de caballerías. Lo más original son los entreactos en prosa, titulados Las gracias mohosas, en que prefigura el feísmo expresionista de Valle-Inclán haciendo desfilar ridículos pretendientes a unas damas no menos ridículas. Otras comedias suyas no se han hallado, aunque se sabe que escribió además una pieza titulada Las doncellas de Símancas. Como poetisa es muy diestra y bien inspirada, de suerte que mereció por ello los elogios del propio Lope de Vega. Por cierto que en su comedia incluye un complejísimo Laberinto que contiene un homenaje cifrado a su segundo marido. Se han recogido, entre otros poemas, unas décimas que incluyó en una obra de su segundo marido, Información en Derecho por la puríssima y limpíssima Concepción de la Virgen María (1625), el soneto Las Bodas de Maya y Clarisel, la ya mencionada Censura de las antiguas comedias españolas en verso suelto y el precioso madrigal El sueño de Gelita.
Ángela de Acevedo
Ángela de Acevedo (también conocida como Ángela de Azevedo) fue una escritora de origen portugués que vivió en el siglo XVII. No existen datos biográficos fiables ni documentos, así que las noticias sobre su vida se deben considerar principalmente especulaciones bienintencionadas. Algunas fuentes afirman que fue presentada a Isabel de Borbón, la mujer del futuro Felipe IV, durante un viaje oficial de su padre Felipe III a Lisboa. Ángela de Acevedo se trasladó a Madrid y entró al servicio de Isabel de Borbón, que reinó desde 1621 hasta 1644, como una de sus damas. Tampoco se puede afirmar que se casara en Madrid con Francisco de Anciaes, un caballero de ilustre alcurnia y habiendo enviudado, se retirara a un convento de religiosas benedictina. Barbosa Machado en su Bibliotheca luisitana, afirma que fue hija de Joao de Azevedo Pereira, fidalgo da casa real, y de Isabel de Oliveira.
Aunque portuguesa, escribió sus obras de teatro en lengua castellana, como era habitual en la época, ya que el castellano era una lengua común en Portugal y muchas de las compañías de teatro recorrían toda la península representando también en Lisboa. Se conocen tres obras dramáticas, todas comedias, impresas en su tiempo (sin datos de lugar o fecha), indicio de que fueron obras de éxito y muy probablemente representadas. En todas ellas se manifiesta una fuerte conciencia portuguesa en la localización de las acciones, los temas y en comentarios elogiosos a las gentes y al país.
Escribió las siguientes comedias:
Dicha y desdicha del juego y devoción de la virgen
Dos hermanos nobles pero pobres, muy devotos de la Virgen, sufren el acoso del demonio que quiere causar su perdición metiéndolos en problemas.
Pertenece a un género híbrido, siendo una comedia urbana “a lo divino” mezclada con una comedia de santos o milagro mariano. Todas las obras de Acevedo se sitúan en Portugal. Esta comedia está ambientada en Oporto. Espectacularmente, es una comedia de aparato que requiere tramoya para los vuelos, descensos y subidas. Métricamente, predomina el romance (72%), seguido de las redondillas (10%) y otros metros más escasos, como las décimas (6%), sextetos-lira (5%), octavas reales (2%), una silva pareada (2%) y dos canciones. Los temas que trata son: las prácticas matrimoniales, los avatares de la vida como un combate entre el bien y el mal, personificados en la Virgen y el Demonio; la fe en la asistencia de la Virgen a sus devotos; la riqueza como la nueva nobleza, en contraste con el valor de la sangre aristocrática, la figura del nuevo rico indiano frente al viejo hidalgo arruinado; el juego como un vicio destructivo, la firmeza en sus afectos de las mujeres (contra el tópico) contrastada con la debilidad afectiva de los hombres; y la queja sobre la poca libertad de las mujeres sin llegar a desafiar la autoridad masculina.
La Margarita del tajo que dio nombre a Santarem
Es una comedia de santos en honor a Santa Irene de Tancor, mártir portuguesa del siglo VII cuyo milenario se celebró en 1653, y que dio nombre a la ciudad de Santarém. Con la coartada de narrar la vida de la santa, elabora una comedia desaforada sobre el amor y las pasiones sin freno que llevan al adulterio y al crimen. Además de aparato escénico (prodigios, apariciones de ángeles, escenas espectaculares), hay largas escenas con monólogos y diálogos donde se explican las motivaciones y argumentaciones de los personajes. El lenguaje es barroco, con influencia de Pedro Calderón de la Barca y gusto por los paralelismos y quiasmos, con algún pasaje preciosista, que a pesar de todo es, por lo demás, llano y claro. Predomina el romance octosílabo (65% de los versos), seguido de las décimas (13%), aunque la variedad métrica incluye romance heptasílabo, redondillas, sextetos-lira, ovillejos, coplas (seguidillas), una octava real, una silva y un soneto.
El muerto disimulado
Una dama se disfraza de hombre para vengar la muerte de su hermano, pero este no está muerto y
regresa vestido de dama para vengarse.
Es una comedia de enredo de lenguaje barroco en el que abundan los paralelismos, juegos de palabras, hipérbatos, paréntesis, apartes y larguísimos párrafos, por lo que el resultado es intrincado y difícil. Espectacularmente, es una comedia de capa y espada que no requiere tramoya. Predomina el romance octosílabo (72% de los versos), seguido de las redondillas (8%), aunque la variedad métrica incluye romance heptasílabo, décimas, quintillas, sextetos-lira, una silva, una octava real y un soneto. En esta comedia, Ángela de Acevedo habla del tema de la inaccesibilidad de la verdad a través de los sentidos, la imagen del espejo, la meta-teatralidad y el travestismo en dos direcciones, de mujer a hombre y, lo que es más raro, de hombre a mujer, con un resultado de gran ambigüedad que en ocasiones sugiere el tema de la homosexualidad.
Prosa
María
Aunque algunos estudios actuales sobre escritura femenina ignoran la existencia de escritoras anteriores al siglo XIX, la realidad española del siglo XVII es bien distinta. Frente a un período anterior a 1600, cuando en España apenas si contamos con escritoras, a partir de estas fechas se produce un significativo fenómeno de aumento en su número y visibilidad social. La escritura femenina deja de estar estigmatizada y, aunque nunca reconocida en igualdad con los hombres, produce ejemplos notables e incluso autoras de amplio reconocimiento.
Pero bueno, anteriormente hemos visto el comienzo de la mujer en la escritura, con la poesia , pero aqui van algunas del género Narrativo.
1. MARÍA DE ZAYAS
Fue la primera española que escribió y publicó un libro de ficción con su nombre
María de Zayas Sotomayor (Madrid, 1590-1648), fue una escritora española del Siglo de Oro. Sus novelas cortas tuvieron gran éxito y se siguieron reimprimiendo hasta que en el siglo XVIII la Inquisición decidió prohibirlas.
Su padre era capitán de infantería por lo tanto tuvo que trasladarse a varios lugares, como a Napoles.
OBRAS NARRATIVAS
La obra narrativa de María de Zayas se integra en el género de la novela corta que tanto éxito tuvo en las letras españolas del siglo XVII, sobre todo a partir de la edición de las Novelas ejemplares de Miguel de Cervantes en 1613. La relación entre las diez Novelas amorosas y ejemplares de Zayas y las doce cervantinas se intuye en la coincidencia del título y en el interés por reflejar en sus relatos una visión crítica hacia comportamientos o valores sociales que perjudican a la mujer; además, sus autores beben de la tradición común de los novellieri italianos.
La primera parte de la obra consta de diez novelas cortesanas en que analiza los estratos sociales superiores de su época, con visible influencia de Cervantes, como ya mencionamos antes.Además, hay un fuerte componente de denuncia social: su revelación de injusticias indignantes reflejan una fuerte independencia y un recio orgullo femenino, sin ahorrar crudeza en las escenas escabrosas.
Del Decamerón de Giovanni Boccaccio toma la fórmula del marco narrativo: la reunión por culpa de una enfermedad (en vez de la peste, unas cuartanas de Lisis) de unos personajes que, a lo largo de cinco noches narran en cada una de ellas dos novelas de gran crudeza.
Se inició como poetisa en las academias de Madrid, su favorito era Lope de Vega
La segunda serie lleva el título de Novelas y saraos (Barcelona, 1647) y Parte segunda del Sarao y entretenimientos honestos (1649), reeditados bajo el título de Desengaños amorosos. Solo se diferencia de la primera en que aumenta la truculencia y escabrosidad de los argumentos.
Compuso además una comedia, La traición en la amistad, y se conservan algunas poesías suyas en diversas antologías.
María de Zayas y la defensa de la mujer
Pincha
Aunque es arriesgado hablar de «feminismo» en la época que escribió esta autora, no podemos obviar el hallazgo de ideas reivindicativas en el conjunto de su obra.
María de Zayas se alza contra ideas misóginas (en ocasiones, enmascaradas bajo una sátira antipetrarquista) como las de Baltasar Gracián, que expuso en El Criticón: «Pues las mujeres, de pies a cabezas una mentira continuada, aliño de cornejas, todo ajeno y el engaño propio». Francisco de Quevedo, en la parte El mundo por de dentro que integra su obra filosófica Sueños y discursos de verdades descubridoras de abusos, vicios y engaños en todos los oficios y estados del mundo, llegó a decir:
Precisamente, Zayas acusará a los hombres de limitar la existencia de las mujeres a vivir encerradas en el ámbito doméstico, y obsesionadas por su honra y por el acicalamiento excesivo. Todo ello destina a la mujer a vivir preocupada por las apariencias y a desarrollar comportamientos hipócritas o engañosos. La escritora considera que la sociedad tendría que abrir el horizonte de expectativas a las mujeres para que pudieran cultivar su intelecto y decidir su destino social. De esta manera, se mejorarían las relaciones entre hombres y mujeres y se evitarían matrimonios forzados, engaños de las mujeres por proteger su honra, muertes de esposas por maltrato físico y psicológico y, en términos generales, la infelicidad a la que se ven determinadas las personas nobles de su sociedad.
No debemos olvidar que la perspectiva de Zayas es la de la clase acomodada y aristocrática; en ese sentido, se ha hablado de su visión tradicional de la sociedad. Como expone Alicia Yllera, la autora ataca ciertos prejuicios, pero defiende el valor de la honra y culpa a los hombres de poner en peligro el buen nombre de las mujeres nobles (educadas en la vulnerabilidad física y moral):
las mujeres lo primero que se visten, en despertándose, es una cara, una garganta y unas manos, y luego las sayas. [...] Las cejas tienen más de ahumadas que de negras; y si como se hacen cejas se hicieran las narices, no las tuvieran. [...] ¿Qué cosa es ver una mujer, que ha de salir otro día a que la vean, echarse la noche antes en adobo, y verlas acostar las caras hechas cofines de pasas, y a la mañana irse pintado sobre lo vivo como quieren? (Quevedo 1972, 177)
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reprocha a los hombres el denigrar sistemáticamente a las mujeres y, por unas que yerran, condenar a todas. Quiere mostrar que, incluso aquellas que mueren acusadas de adulterio, muchas no son sino víctimas de equívocas apariencias. Reprocha, por otra parte, a los hombres el ser causantes del mal de las mujeres.
Sin duda Zayas es en la actualidad la escritora más importante del período y sus dos obras de novelas fueron apreciadas desde su propia época, con ediciones sucesivas que continuaron en el siglo XVIII y con textos que fueron traducidos al italiano y al francés e incluso, a través de esta lengua, llegaron a influir sobre escritores ingleses. Es asimismo muy relevante el papel que asumen las mujeres, que al actuar como narradoras prueban la tesis que la autora defiende en el prólogo sobre la educación de la mujer. No obstante, esa tesis ampliamente expuesta en su obra, que cuestiona la tradición sobre la incapacidad de las mujeres para el saber intelectual
A través de esta visibilidad se puede crear un sentido de tradición femenina hasta entonces impensable, lo que da carta social de naturaleza a las escritoras y permite sacarlas del limbo de lo excepcional. Este desarrollo se muestra asimismo en los prólogos de escritoras.
Durante el siglo XVI y los primeros decenios del XVII lo normal es que pidan disculpas por su estilo, justifiquen su audacia y expliquen las razones que las han llevado a escribir, siempre dentro de una moralidad intachable y por una buena causa. En el prólogo a sus Novelas amorosas y ejemplares (Zaragoza, 1637) María de Zayas le dice al lector:
Es cierto que exhortar al lector a comprar la obra fue uno de los tópicos prologales del momento, aun así hay que destacar que no está pidiendo permiso al lector, no están recurriendo al tópico de la humilitas para ganar su benevolencia, sino que muy al contrario se expresa en pie de igualdad con los hombres. Esto sólo pudo
hacerlo M.ª de Zayas por ser una mujer que había nacido en torno a 1590 (recordemos que uno de los momentos álgidos de la alfabetización femenina), que convivió desde su infancia con una tradición de escritura femenina, bien en obras exentas (desde 1590 se aprecia un aumento de obras de mujeres impresas) y en justas. En esa sociedad que admitió a la mujer escritora como un elemento quizá exótico, pero aceptable puede producirse luego un paso más allá. Ahora bien, no estuvo exento de tensiones, porque las críticas no desaparecieron y, de hecho, los años en que la escritoras son más visibles es cuando surge la sátira quevediano de la “culta latiniparla” o cuando aparece en la comedia el personaje de la mujer sabia o pedante como en La dama boba de Lope de Vega.
Ambos son una muestra del impacto que tenía como fenómeno social. Son críticas plagadas de tópicos (sabia/ culta = fea sin capacidad de amar no futura madre incumplimiento del rol primordial), que pretenden estigmatizar una conducta que implícitamente atenta contra la hegemonía de género.
Y no sólo deves hazer esto [comprar el libro], mas anhelar por la noticia de su autora a no estar sin su libro tu estudio, no pidiéndolo prestado, sino costándote tu dinero, que aunque fuesse mucho le darás por bien empleado.
Muy discretas y muy feas,
mala cara y buen lenguaje
pidan cátedra y no coche,
tengan oyente y no amante.
No las den sino atención,
por más que pidan y garlen,
y las joyas y el dinero
para las tontas se guarde
(Quevedo, 1972: 290-291)
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2. LUISA DE PADILLA
Compuso tratados dedicados a la educación de los nobles y a la reforma de sus costumbres.
Condesa de Aranda
Nuestra autora destaca en repensar la moralidad de la nobleza. . Luisa María de Padilla utilizó en pocas ocasiones la ficción en sus escritos. Su obra consta de un gran estudio y erudición.
Luisa de Padilla y Manrique, condesa de Aranda nació en Burgos según se cree en 1590 y murió en Épila en 1646. Hija de don Martín Padilla y Manrique, primer conde de Santa Gadea y capitán general de la Armada, y de Luisa de Padilla y Manrique 8ª condesa de Buendía. En 1605 contrajo matrimonio con el Vº conde de Aranda convirtiéndose así en condesa de Aranda.
Fue una escritora prosista. Una mujer interesada por los estudios históricos y arqueológicos. En sus escritos, Luisa de Padilla manifiesta la preocupación sobre las actitudes de la nobleza.
Se puede considerar como una proyección
ampliada de la función social de las mujeres nobles: ser educadoras de sus hijos.
Apelaba a sentimientos y
situaciones que podían ser comprensibles desde su propia experiencia
Las seis obras que redactó fueron publicadas entre 1637 y 1644, cuatro de las cuales son propuestas de modelos de comportamiento para los nobles. En las dos primeras, publicadas en 1637 y 1639, ocultó su identidad por el recelo con el mundo editorial.
Su primera obra, Nobleza virtuosa es una relación de normas para los nobles en sus relaciones cortesanas, familiares y amistosas, y hay desconfianza respecto al valido y la Corte. Lo que escribió fue para la educación o mejora de la nobleza, pues su papel era formar parte en las tareas de gobierno. Pero para ello era necesario una regeneración que propugnó en dos vías: una civil, en los cuatro primeros libros de la Nobleza virtuosa y otra religiosa en sus dos últimos tratados sobre la verdad y la castidad.
Ninguna de sus obras ha sido publicada de nuevo pese a su éxito en la época. De Lágrimas de la nobleza es del que existe el mayor número de ejemplares localizados. Esto muestra que no tuvo problemas para publicar ya que pertenecía a la aristocracia. Esta misma pertenencia es la que le permite tratar un tema tan cercano a la política como el papel de la nobleza, pese a ser mujer. El núcleo central de su obra es la "reformación de nobles", término muy propio de la época.
Su Noble perfecto y segunda parte de la Nobleza virtuosa es un manual de conducta para la educación de los niños nobles con recursos propios para la memorización
Por ultimo, he de decir que esta escritora desarrolló una función social, lejos de la que tenían el resto del común de mujeres de su tiempo. Salió de los margenes que se les impuso a las mujeres de su tiempo, pero sin romper los moldes de identidad femenina aceptados por la sociedad, y por la mentalidad masculina dominante.
Voy a mostraros una frase impactante de esta autora.
3. MARIANA DE CARVAJAL
“mucho mejor es ser nobles que descender de nobles […]. Sola ella es permanente nobleza: florecer con propios actos heroycos es lo que la adquiere, no los de los ascendientes”
Autora de oficio.
NO hay pinturas de ella.
Mariana de Carvajal descendía de una noble familia granadina, aunque nació en Jaén a principios del siglo xvii. Desde muy joven residió en Granada, donde conoció a su futuro marido, Baltasar Velázquez, alcalde de hijosdalgos en esa Real Chancillería. Contrajeron matrimonio en 1635 y en 1640 nació su hijo Rodrigo, primero de una numerosa familia (se tienen noticias de seis hijas y tres hijos más). Cambiaron su residencia a Madrid cuando nombraron a Baltasar Velázquez del Consejo de Hacienda. Mariana de Carvajal enviudó en 1656 y hubo de afrontar una precaria situación económica. Obtuvo del Rey una pensión de 200 ducados y volvió a Granada, donde ya debía de residir alguno de sus hijos. Murió alrededor de 1664.
En 1663 hay constancia de doce comedias escritas, hoy desaparecidas. Algunas de sus novelas se ambientan en la ciudad jiennense de Úbeda. Se engloba dentro del género llamado novela cortesana.
(Se trata de una narración breve de ambientación urbana, casi siempre de temática amorosa, con ingredientes costumbristas, picarescos, pastoriles y ecos de la novelística italiana más decente y menos anticlerical a los rigurosos criterios de los inquisidores españoles (novellieri como Giovanni Boccaccio y sus más honestas piezas del Decamerón))
No se le conoce otra obra que Navidades de Madrid y Noches entretenidas (1663), colección de novelas cortas formada por La Venus de Ferrara, La dicha de Doristea, El amante venturoso, El esclavo de su esclavo, Quien bien obra siempre acierta, Celos vengan desprecios, La industria vence desdenes y Amar sin saber a quién, si bien en el prólogo menciona un tomo de doce comedias que, probablemente, no llegó a imprimir.
Ella argumenta sus novelas en el luto de la dueña de una casa que acaba de enviudar y que aprovecha los días de una Navidad agridulce para contar algo que, en principio, no tiene por qué ser negativo.
